Glosario

ARTE COLOMBIANO En Colombia como en la mayoría de países latinoamericanos el arte se abre espacios cada día, de esta manera encontramos más lugares y eventos en los que podemos aprender y compartir expresiones artísticas, como lo son: el festival iberoamericano de teatro, los salones nacionales de artistas y festivales musicales entre otros, es importante que aprovechemos estos espacios ya que de esta manera nuestros horizontes se amplían sensibilizándonos ante diversas propuestas, algo que en nuestra sociedad necesitamos afianzar ya que de esta manera los conflictos sociales políticos y culturales se reducen, generándose espacios de convivencia y tolerancia más amplios, acercándonos a una sociedad ideal.



ABSTRACCIONISMO Se aparta de la realidad en la representación, es un rompimiento con lo figurativo para poblar la obra de significados. La abstracción lírica o cromática, utiliza la expresividad y simbolismo de los colores, de manera orgánica y fluida. La abstracción geométrica, Se basa en una simplificación y ordenación matemática de los colores y formas apoyándose en la geometría.



IMPRESIONISMO Aunque el términose aplica en diferentes artes como música y literatura, su vertiente más conocida, y aquélla que fue la precursora, es la pintura impresionista. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado, a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante, sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. Es decir, si sus antecesores pintaban formas con identidad, los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Siendo diametralmente opuesto a la pintura metafísica, su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.



EXPRESIONISMO suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido–. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de "nórdica" por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Fiel reflejo de las circunstancias históricas en que se desarrolló, el expresionismo reveló el lado pesimista de la vida, la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna, industrializada, se ve alienado, aislado. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador, llegar a su lado más emotivo.



PUNTILLISMO Es un estilo de pintura que aparece por vez primera en 1884, encabezado por el pintor Neo-Impresionista Georges Seurat, y contando con entre sus más fieles seguidores tales como Henri-Edmond Cross y Vlaho Bokovac. Su procedimiento empleado por estos artistas, consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela; logrará una técnica que fue el resultado de los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de colores que, mirados a cierta distancia, crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes artistas seguidores del puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo. Este movimiento, parte también de la imagen de la naturaleza, el Puntillismo vio abierto ante sí un campo en el que su tarea habría de ser la aplicación metódica de sus conocimientos y la reconciliación de los rígidos principios del dibujo con los principios ópticos intuidos por los grandes coloristas. La mente lógica y reflexiva de estos pintores pedía la reducción del instinto al orden, del impulso al cálculo, reduciendo a lo esencial, no sólo los temas de la vida moderna o el paisaje, sino también el método impresionista de presentarlos.



MINIMALISMO Es referido a cualquier cosa que se haya reducido a lo esencial, despojada de elementos sobrantes, o que proporciona solo un esbozo de su estructura, es la tendencia a reducir a lo esencial. El término "minimal" fue utilizado por primera vez por el filósofo Richard Wolheim en 1965, para referirse a algunos objetos de muy alto contenido intelectual pero de sencillez en su elaboración, como los ready-made de Marcel Duchamp. Como movimiento artístico, inicia su desarrollo en los años 60. Es una corriente artística que utiliza elementos mínimos y básicos, como colores puros, formas geométricas simples, tejidos naturales y lenguaje sencillo.



FAUVISMO Movimiento pictórico expresionista que surgió en francia, de escasa duración entre 1904-1908 aproximadamente. El termino fauve significa "fiera", de allí el fauvismo que se caracterizó por el uso de colores intensos, principalmente el verde en altos contrastes, el cromatismo antinatural, fuerza expresiva del color aplicando colores distintos a los que pueden verse en la realidad.



CUBISMO Movimiento artístico de ruptura con la estética clásica, el concepto de belleza y las nuevas formas de observar la naturaleza. Su visión del arte es tan diferente que conmocionó todo el mundo del arte. A partir del cubismo, el concepto de arte y de belleza cambia radicalmente, nada se podrá hacer igual, y las obras anteriores se mirarán de otra forma.



FUTURISMO Vanguardia pictórica que se desarrolló en la Italia de los primeros años del siglo XX, congregada en torno al "Manifiesto futurista" dado a conocer por el escritor Tommaso Marinetti en 1909. Un año después varios de los pintores que configuran el grupo elaboran el "Manifiesto de la pintura futurista". En él se hace una crítica a los conceptos de armonía y buen gusto, se llama inútiles a los críticos de arte y se defiende que el movimiento, la luz y la velocidad en las imágenes. El futurismo hace una crítica radical al pasado y busca abrir nuevos caminos a la expresión estética. Se representa la velocidad en un cuadro aprehendiendo el movimiento de las figuras y ésta fue la mayor aportación del futurismo: la superposición de planos, de manera que las formas adquieren dinamismo.



DADAISMO Fue un movimiento, que se caracterizó por sentimientos de protesta contra convenciones literarias, una actitud de burla total por las manifestaciones artísticas literarias, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido en aquella época de comienzos y mediados del siglo XX, Tuvo su área de influencia en la plástica, en la música, en la literatura; y surge como consecuencia del cambio de valores en la sociedad de la época.



SURREALISMO Surrealismo: "sustantivo, masculino. Automatismo psíquico puro, por cuyo medio se intenta expresar, verbalmente, por escrito o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento. Es un dictado del pensamiento, sin la intervención reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral."

Fragmento del manifiesto surrealista.

Fue un movimiento moderno fundado por André Bretón que influenció muchos campos del conocimiento, en el arte se caracterizó por su automatismo, el carácter onírico y la simbología en la pintura, literalmente significa que esta sobre el realismo, entre sus representantes más reconocidos se encuentran: Salvador Dalí, René Magritte, Joan Miró, Giuseppe Arcimboldo y Giorgio de Chirico.



ARTE POVERA Término Italiano que traduce “Arte Pobre” ya que para realizarlo se emplean materiales que encontramos fácilmente, como madera, hojas, rocas, cristal, vegetales, telas, carbón o arcilla, o, también, de desecho como: papel, plástico o revistas, de esta manera con creatividad se contribuye al medio ambiente reduciendo la contaminación y producción industrial.



FLUXUS Fue un movimiento artístico formado por gente de todo el mundo, de actividades diversas, iniciado a fines de los años 50. El nombre indica el “fluir” de las artes entre muchas otras acepciones. Su ideología: ir en contra de todo lo que en ese momento estaba institucionalizado como arte, fundiendo la literatura, el happening, la música y más tarde el video, entre tantas otras disciplinas.

Una de las características más relevantes del movimiento, además de lo multidisciplinario, será la idea del arte lúdico y la intención de acercar el arte a la vida. Pero como todos los movimientos que van contra el Sistema, pierden su esencia cuando son absorbidos por él. Grandes artistas han formado parte de este movimiento, como John Cage, Nam June Paik y Wolf Vostell, entre muchísimos otros.



POP ART Es un movimiento que subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática. Los objetos industriales, los carteles, los embalajes y las imágenes son los elementos de los que se sirve. Es un arte eminentemente ciudadano, nacido en las grandes urbes, y ajeno por completo a la Naturaleza. Utiliza las imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo.



BODY ART El arte corporal es un estilo enmarcado en el arte conceptual, de gran relevancia hacia 1960 en Europa y en Estados Unidos.Se trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta, se calca, se ensucia, se cubre, se retuerce... el cuerpo es el lienzo o el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.



HAPPENING (De la palabra inglesa que significa evento, ocurrencia, suceso). Manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 1950 caracterizada por la participación de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro de participación. La propuesta original del happening artístico tiene como tentativa el producir una obra de arte que no se focaliza en objetos sino en el evento a organizar y la participación de los "espectadores", para que dejen de ser sujetos pasivos y, con su actividad, alcancen una liberación a través de la expresión emotiva y la representación colectiva. Aunque es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la improvisación o, dado que es difícil una real improvisación, por la imprevisibilidad.El happening en cuanto manifestación artística es de muy diversa índole, suele ser no permanente, efímero, ya que busca una participación espontánea del público. Por este motivo los happenings frecuentemente se producen en lugares públicos, como un gesto de sorpresa o irrupción en la cotidianeidad. Un ejemplo de ello son los eventos organizados por Spencer Tunik en los cuales se implican a masas de gente desnuda.



PERFORMANCE Está ligado al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus y al body art. La palabra performance comenzó a ser utilizada especialmente para definir ciertas manifestaciones artísticas a finales de los años sesenta. La historia del "performance art" empieza a principios del siglo XX, con las acciones en vivo de artistas de movimientos vanguardistas. Creadores ligados al futurismo, al constructivismo, al dadaísmo y al surrealismo, realizaban por ejemplo las exhibiciones no convencionales en el Cabaret Voltaire.



REALISMO Se configura como un movimiento que intenta plasmar objetivamente la realidad. Se extiende a todos los campos de la creación humana aunque tuvo una importancia especial en la literatura. En el caso concreto de las artes plásticas, el realismo consigue la máxima expresión en Francia, casi exactamente, en la mitad del siglo XIX.



HIPERRELISMO Es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía, aunque también existe escultura hiperrealista. Se asocia también con el foto realismo



LAND ART Es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecen, quedando de ellas sólo el registro fotográfico. Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste americano a finales de los años sesenta. Las obras más imponentes, realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, se llaman Earthworks, (excavaciones, aterramientos o desmontes). Muchas temáticas trabajadas en el Land art se acercan a la ecología y el conservacionismo.



INSTALACIÓN Una instalación artística es un género de arte contemporáneo que comenzó a tomar un fuerte impulso a partir de la década de 1970. Las instalaciones incorporan cualquier medio para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente (espacio) determinado. Los artistas de instalaciones por lo general utilizan directamente el espacio de las galerías de arte. Es relevante en algunas propuestas el uso de objetos cotidianos resignificados en un espacio diferente al convencional de dichos objetos, tiene fuerte relación con el arte conceptual, puede incluir cualquier medio, desde materiales naturales hasta los más nuevos medios de comunicación, tales como video, sonido, computadoras e internet, o inclusive energía pura como el plasma. Algunas instalaciones son sitios específicos de arte; ellas sólo pueden existir en el espacio para el cual son creadas.



ENSAMBLAJE Antes del S. XX la escultura únicamente era reconocida por materiales como: mármol, piedra, bronce, madera, etc. Con cambios como los experimentados en la modernidad surge una técnica conocida como ensamblaje usada en sus inicios por artistas vanguardistas, la que consiste en que a partir de materiales no convencionales como plásticos, chatarra, materiales de desechos industriales, objetos que ya han perdido su funcionalidad son reconfigurados y ensamblados para aprovechar la carga simbólica que ya tenían y presentar nuevas ideas.



MODELADO es una técnica que consiste en crear una representación ideal de un objeto real mediante un conjunto de simplificaciones y abstracciones, que reflejan ciertos aspectos de un objeto, dicha técnica puede ser elaborada con diferentes materiales que tengan características de plasticidad y maleabilidad, generalmente se parte de un solo bloque retirando y moldeando para obtener el resultado técnicamente apropiado.



VACIADO es un procedimiento para la reproducción de esculturas o relieves. Se consigue aplicando al modelo yeso líquido, gelatina, fibra de vidrio, etc. y esperando a que se endurezca para confeccionar el molde; posteriormente, se separa de él y sobre este molde obtenido se trabaja para conseguir tantas copias como se desee vertiendo una colada en su interior. Se llama vaciado tanto a este sistema de reproducción mecánica como a la copia obtenida del molde.



GRABADO es una técnica de reproducción múltiple, en la que se usa una “matriz” elaborada en negativo de la que se obtienen varias copias en positivo, un ejemplo muy sencillo es el de los sellos usados comercialmente, aunque existen técnicas más elaboradas en las que se emplean ácidos sobre superficies de metal y prensas para realizar las copias.



ESTÉNCIL técnica en que una plantilla con un dibujo recortado es usada para aplicar pintura, a través de dicho recorte, obteniéndose un dibujo con esa forma. Si bien el proceso de estarcido o stencil se utilizaba ya en la antigua Roma para duplicar los diseños decorativos en paredes, techos y tejidos; era muy corriente en China y Japón para marcar los embalajes con sellos y caligrafía, pero alcanzó el mayor grado de popularidad en Estados Unidos durante la década de 1960, cuando muchos artistas utilizaban como medio de expresión los colores puros y las imágenes de contornos marcados.



FROTTAGE Técnica pictórica de fricción o frotamiento automático desarrollada inicialmente por Max Ernst en 1925, que consistía en la realización de dibujos mediante el roce de superficies rugosas, que transfiere al papel o al lienzo el veteado y textura de una superficie rugosa con la ayuda de un sombreado a lápiz o de otra mancha.



MONOTIPO es el resultado único, no seriado, de una estampación gráfica. Es la estampa lograda por contacto de una imagen pintada o dibujada sobre un soporte rígido cuando el pigmento todavía está fresco; por tanto se trata de una pieza única que se realiza aprovechando tanto técnicas de grabado como pictóricas para la consecución de un solo original.



COLLAGE es una técnica en la que se ensamblan elementos diversos en una sola imagen. El término viene del francés coller, que significa pegar. En la plástica un 'Kollaje' se puede componer enteramente, o parcialmente, de fotografías, madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc. Entre los primeros artistas que usaron está técnica se encuentran: Pablo Picasso y Georges Braque.


MOSAICO es una obra realizada con pequeños fragmentos. Los romanos los construían con pequeñas piezas llamadas teselas; piezas de forma cúbica, hechas de rocas, vidrio o cerámica, muy cuidadas y elaboradas y de distintos tamaños. El artista las disponía sobre la superficie, distribuyendo el color y la forma y aglomerándolas con una masa de cemento.



PINTURA Más allá de toda especulación o tendencia en las artes visuales, su práctica no corresponde necesariamente a una demanda, sino a la búsqueda personal de un mensaje visual, que trascienda al material usado en sí, emergiendo detrás de las formas y los colores y sus tonalidades, un contenido que invite al espectador a explorar un camino que se recorre a través de las manos del mismo pintor. Siempre basándose en las técnicas elementales de la pintura como lo es la composición, el equilibrio, ritmo, forma, color y valor.La pintura es la expresión de ideas, pensamientos y sentimientos en el papel, madera, paredes etc. Para esto el pintor necesita una habilidad para pintar y además una situación en que se base, es decir, un conflicto, problema, o situación en la que este se encuentre.Estas técnicas basadas en naturalezas matemáticas han sido perfeccionadas a lo largo de la historia por todas las grandes civilizaciones conocidas, y sus profundos conocimientos han sido siempre aplicados a consciencia por la mayoría de los grandes pintores que han trascendido en sus obras. Hokusai (Tsunami)



DIBUJO técnica básica perteneciente a las artes plásticas en la que se emplean diversos materiales y soportes como lápices, carboncillos, papeles, y lienzos, desde tiempos remotos el hombre se ha comunicado a través del dibujo representando la vida cotidiana como las escenas de caza de la pintura rupestre.



ELEMENTOS PLÁSTICOS: Son conceptos que no existen físicamente y que son usados en dibujo y en diseño como los enumerados a continuación:



Punto: Es la parte más pequeña del dibujo y la huella que deja un lápiz sobre el papel, se identifica en el cruce de dos líneas, indica posición. No tiene largo ni ancho.

No ocupa una zona en el espacio. Es el principio y fin de una línea, y es donde dos líneas se cruzan.



Línea: Es una sucesión de puntos que se puede extender continuamente, pueden ser rectas, curvas, verticales, diagonales, mixtas, etc. Cuando un punto se mueve, su recorrido se transforma en una línea. Tiene largo pero no ancho. Tiene posición y dirección. Está limitada por puntos. Forma los bordes de un plano.



Plano: Es una sucesión de líneas que forma una superficie bidimensional como un triangulo, cuadrado o circulo

El recorrido de una línea en movimiento se convierte en plano. Un plano tiene largo y ancho, pero no grosor.

Tiene posición y dirección. Está limitado por líneas.

Define los límites extremos de un volumen.



Volumen: Es una representación tridimensional que se forma con varios planos, como el cubo o la pirámide

El recorrido de un plano en movimiento se convierte en un volumen. Tiene una posición en el espacio y está limitado por planos. En un diseño bidimensional, el volumen es ilusorio. Representa las 3 dimensiones en el plano



Forma: Todo lo que puede ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en nuestra percepción



Medida: Todas las formas tienen un tamaño. El tamaño es físicamente medible, aunque resulta relativo cuando es comparado.



Color: Una forma se distingue de sus cercanías por medio del color.



Textura: La textura se refiere a las características de la superficie de una forma.



Composición: Todo cuadro, imagen o configuración visual es una composición Es la organización de elementos en un espacio determinado.



Diseño: Se define como el proceso previo de configuración mental "pre-figuración" en la búsqueda de una solución en cualquier campo.